Un sonido conocido, distinto
Un sonido conocido, distinto
Un sonido conocido, distinto
Hace un tiempo que no compartía una recomendación nueva, pero hoy vengo con algo que me tiene enganchada. El nuevo disco de un artista emergente que tiene un sonido que te puede recordar a otros artistas. Es como un viaje sonoro al pasado, pero el artista logra aportar algo fresco y moderno.
El artista en cuestión es Djo, el nombre artístico de Joe Keery, a quien muchos conocemos por su papel como Steven Harrington, en Stranger Things. Si bien la actuación lo llevó a la fama, hace un tiempo se sumergió en el mundo de la música. Recientemente, su canción End of Beginning ganó bastante popularidad, y poco a poco su música sigue llegando a más gente.
En su nuevo disco, The Crux, Djo sigue explorando su sonido y lo lleva a otro nivel. El álbum mezcla influencias de los años 70 y 80, con una producción experimental que combina el pop retro y la psicodelia. No sigue una estructura definida, no busca la perfección, sino capturar una esencia más orgánica, con un sonido que parece como si estuviera practicando la canción, como si fuera un ensayo.
Hace un tiempo que no compartía una recomendación nueva, pero hoy vengo con algo que me tiene enganchada. El nuevo disco de un artista emergente que tiene un sonido que te puede recordar a otros artistas. Es como un viaje sonoro al pasado, pero el artista logra aportar algo fresco y moderno.
El artista en cuestión es Djo, el nombre artístico de Joe Keery, a quien muchos conocemos por su papel como Steven Harrington, en Stranger Things. Si bien la actuación lo llevó a la fama, hace un tiempo se sumergió en el mundo de la música. Recientemente, su canción End of Beginning ganó bastante popularidad, y poco a poco su música sigue llegando a más gente.
En su nuevo disco, The Crux, Djo sigue explorando su sonido y lo lleva a otro nivel. El álbum mezcla influencias de los años 70 y 80, con una producción experimental que combina el pop retro y la psicodelia. No sigue una estructura definida, no busca la perfección, sino capturar una esencia más orgánica, con un sonido que parece como si estuviera practicando la canción, como si fuera un ensayo.
Hace un tiempo que no compartía una recomendación nueva, pero hoy vengo con algo que me tiene enganchada. El nuevo disco de un artista emergente que tiene un sonido que te puede recordar a otros artistas. Es como un viaje sonoro al pasado, pero el artista logra aportar algo fresco y moderno.
El artista en cuestión es Djo, el nombre artístico de Joe Keery, a quien muchos conocemos por su papel en Stranger Things. Si bien la actuación lo llevó a la fama, hace un tiempo se sumergió en el mundo de la música. Recientemente, su canción End of Beginning ganó bastante popularidad, y poco a poco su música sigue llegando a más gente.
En The Crux, Djo sigue explorando su sonido y lo lleva a otro nivel. El álbum mezcla influencias de los años 70 y 80, con una producción experimental que combina el pop retro y la psicodelia. No sigue una estructura definida, no busca la perfección, sino capturar una esencia más orgánica, con un sonido que parece como si estuviera practicando la canción, como si fuera un ensayo.
The Crux (2025)
Quiero hacer una pequeña mención sobre la portada del disco, porque no es una muy simple. Tanto la tapa como la contratapa están llenas de detalles para observar. En una entrevista reciente con Jimmy Fallon, Joey Keery comentó que, a diferencia de las portadas minimalistas de sus discos anteriores, esta vez quería hacer algo diferente, algo que reflejara el caos y las sorpresas que hay en el álbum.
Algunas de las personas que aparecen en la portada participaron en la creación del disco, incluso en los videoclips. Y un detalle no menor es que Keery también es parte de la portada y la contratapa. En la tapa, vemos a un hombre colgando desde una ventana, y en la contratapa descubrimos que es él.
The Crux (2025)
Quiero hacer una pequeña mención sobre la portada del disco, porque no es una muy simple. Tanto la tapa como la contratapa están llenas de detalles para observar. En una entrevista reciente con Jimmy Fallon, Joey Keery comentó que, a diferencia de las portadas minimalistas de sus discos anteriores, esta vez quería hacer algo diferente, algo que reflejara el caos y las sorpresas que hay en el álbum.
Algunas de las personas que aparecen en la portada participaron en la creación del disco, incluso en los videoclips. Y un detalle no menor es que Keery también es parte de la portada y la contratapa. En la tapa, vemos a un hombre colgando desde una ventana, y en la contratapa descubrimos que es él.
The Crux (2025)
Quiero hacer una pequeña mención sobre la portada del disco, porque no es una muy simple. Tanto la tapa como la contratapa están llenas de detalles para observar. En una entrevista reciente con Jimmy Fallon, Joey Keery comentó que, a diferencia de las portadas minimalistas de sus discos anteriores, esta vez quería hacer algo diferente, algo que reflejara el caos y las sorpresas que hay en el álbum.
Algunas de las personas que aparecen en la portada participaron en la creación del disco, incluso en los videoclips. Y un detalle no menor es que Keery también es parte de la portada y la contratapa. En la tapa, vemos a un hombre colgando desde una ventana, y en la contratapa descubrimos que es él.
Lonesome Is A State of Mind abre el disco con una suave melodía acústica que da una sensación de tranquilidad y optimismo, pero su letra explora la soledad y la repetición diaria. Este contraste entre lo que escuchamos y lo que dice la letra es algo que se repite a lo largo del álbum. Además, la outro de esta canción anticipa los sonidos que dominarán el resto del disco, marcando el tono para las demás canciones. Es una canción con un sonido agradable para empezar un disco.
Basic Being Basic se caracteriza por una producción minimalista, casi cruda, como si estuviera grabada con un micrófono de teléfono. Djo, con un estilo hablado similar al de la banda LCD Soundsystem, canta sobre comportamientos "básicos", como por ejemplo sacar fotos de tu comida y publicarlas en las redes. El bajo se escucha suave, pero juega un papel clave en el estribillo, dándole un toque de fuerza que lo diferencia de los versos.
Lonesome Is A State of Mind abre el disco con una suave melodía acústica que da una sensación de tranquilidad y optimismo, pero su letra explora la soledad y la repetición diaria. Este contraste entre lo que escuchamos y lo que dice la letra es algo que se repite a lo largo del álbum. Además, la outro de esta canción anticipa los sonidos que dominarán el resto del disco, marcando el tono para las demás canciones. Es una canción con un sonido agradable para empezar un disco.
Basic Being Basic se caracteriza por una producción minimalista, casi cruda, como si estuviera grabada con un micrófono de teléfono. Djo, con un estilo hablado similar al de la banda LCD Soundsystem, canta sobre comportamientos "básicos", como por ejemplo sacar fotos de tu comida y publicarlas en las redes. El bajo se escucha suave, pero juega un papel clave en el estribillo, dándole un toque de fuerza que lo diferencia de los versos.
Lonesome Is A State of Mind abre el disco con una suave melodía acústica que da una sensación de tranquilidad y optimismo, pero su letra explora la soledad y la repetición diaria. Este contraste entre lo que escuchamos y lo que dice la letra es algo que se repite a lo largo del álbum. Además, la outro de esta canción anticipa los sonidos que dominarán el resto del disco, marcando el tono para las demás canciones. Es una canción con un sonido agradable para empezar un disco.
Basic Being Basic se caracteriza por una producción minimalista, casi cruda, como si estuviera grabada con un micrófono de teléfono. Djo, con un estilo hablado similar al de la banda LCD Soundsystem, canta sobre comportamientos "básicos", como por ejemplo sacar fotos de tu comida y publicarlas en las redes. El bajo se escucha suave, pero juega un papel clave en el estribillo, dándole un toque de fuerza que lo diferencia de los versos.
Basic Being Basic (en vivo)
En Link, se nota la influencia de artistas como Bryan Adams y Bruce Springsteen, con un ritmo enérgico y guitarras potentes, mientras la letra refleja esa sensación de incomodidad cuando todo debería ir bien. La contradicción entre el tono alegre y la letra melancólica es una constante en el disco. En contraste, Potion ofrece una atmósfera más tranquila, con toques folk, con un enfoque en las cosas simples que se desean en el amor. Hay algo de Fleetwood Mac en las guitarras de esta canción.
Seguimos con Delete Ya, con una base de batería expansiva y un bajo pulsante, toma la esencia de los 80 y la moderniza con un toque pop, uniendo nostalgia y sonidos actuales. El tema captura el anhelo de liberarse de algo o alguien, con un aire de liberación y autodescubrimiento. Es una mezcla de sonidos pegajosos y emociones intensas.
Basic Being Basic (en vivo)
En Link, se nota la influencia de artistas como Bryan Adams y Bruce Springsteen, con un ritmo enérgico y guitarras potentes, mientras la letra refleja esa sensación de incomodidad cuando todo debería ir bien. La contradicción entre el tono alegre y la letra melancólica es una constante en el disco. En contraste, Potion ofrece una atmósfera más tranquila, con toques folk, con un enfoque en las cosas simples que se desean en el amor. Hay algo de Fleetwood Mac en las guitarras de esta canción.
Seguimos con Delete Ya, con una base de batería expansiva y un bajo pulsante, toma la esencia de los 80 y la moderniza con un toque pop, uniendo nostalgia y sonidos actuales. El tema captura el anhelo de liberarse de algo o alguien, con un aire de liberación y autodescubrimiento. Es una mezcla de sonidos pegajosos y emociones intensas.
Basic Being Basic (en vivo)
En Link, se nota la influencia de artistas como Bryan Adams y Bruce Springsteen, con un ritmo enérgico y guitarras potentes, mientras la letra refleja esa sensación de incomodidad cuando todo debería ir bien. La contradicción entre el tono alegre y la letra melancólica es una constante en el disco. En contraste, Potion ofrece una atmósfera más tranquila, con toques folk, con un enfoque en las cosas simples que se desean en el amor. Hay algo de Fleetwood Mac en las guitarras de esta canción.
Seguimos con Delete Ya, con una base de batería expansiva y un bajo pulsante, toma la esencia de los 80 y la moderniza con un toque pop, uniendo nostalgia y sonidos actuales. El tema captura el anhelo de liberarse de algo o alguien, con un aire de liberación y autodescubrimiento. Es una mezcla de sonidos pegajosos y emociones intensas.
Egg destaca por sus cambios dinámicos, que combinan secciones caóticas con momentos más suaves. La letra gira en torno a un cambio personal, utilizando el concepto del "huevo" como una metáfora de una transformación profunda. El "huevo" funciona como símbolo de fragilidad e identidad contenida: algo que está por romperse para liberar una versión más real de uno mismo, aunque eso implique enfrentarse al miedo y al ego.
Una de las canciones más raras del álbum (instrumentalmente), Fly tiene una mezcla de sonidos entre la acústica y un sintetizador metálico. La atmósfera psicodélica está diseñada para transportarte en un viaje de introspección y reflexión, y va de la mano con la letra, que expresa una nostalgia del pasado mientras también invita a volar hacia el futuro.
Egg destaca por sus cambios dinámicos, que combinan secciones caóticas con momentos más suaves. La letra gira en torno a un cambio personal, utilizando el concepto del "huevo" como una metáfora de una transformación profunda. El "huevo" funciona como símbolo de fragilidad e identidad contenida: algo que está por romperse para liberar una versión más real de uno mismo, aunque eso implique enfrentarse al miedo y al ego.
Una de las canciones más raras del álbum (instrumentalmente), Fly tiene una mezcla de sonidos entre la acústica y un sintetizador metálico. La atmósfera psicodélica está diseñada para transportarte en un viaje de introspección y reflexión, y va de la mano con la letra, que expresa una nostalgia del pasado mientras también invita a volar hacia el futuro.
Egg destaca por sus cambios dinámicos, que combinan secciones caóticas con momentos más suaves. La letra gira en torno a un cambio personal, utilizando el concepto del "huevo" como una metáfora de una transformación profunda. El "huevo" funciona como símbolo de fragilidad e identidad contenida: algo que está por romperse para liberar una versión más real de uno mismo, aunque eso implique enfrentarse al miedo y al ego.
Una de las canciones más raras del álbum (instrumentalmente), Fly tiene una mezcla de sonidos entre la acústica y un sintetizador metálico. La atmósfera psicodélica está diseñada para transportarte en un viaje de introspección y reflexión, y va de la mano con la letra, que expresa una nostalgia del pasado mientras también invita a volar hacia el futuro.
Charlie's Garden (audio)
En Charlie's Garden, mi favorita del álbum, se perciben claramente las influencias de The Beatles y Wings, especialmente la esencia mágica de Paul McCartney. La canción se destaca por su estructura compleja y sus cambios de ritmo, donde cada instrumento tiene un rol distintivo que, en conjunto, crea una mezcla espectacular. Combina arreglos orquestales con grabaciones telefónicas que le dan un toque peculiar y teatral. La grabación telefónica que se escucha fue realizada por Charlie Heaton, quien también es conocido por su papel como Jonathan en Stranger Things.
Golden Line es una balada emotiva que mezcla cuerdas y piano para crear melancolía, alcanzando su punto culminante con una orquesta que intensifica la carga emocional. En Back On You, el coro angelical y el bajo retro reflejan lealtad y amistad, mientras que las guitarras eléctricas marcan un clímax energético.
El álbum cierra con Crux y con una tonalidad de piano majestuosa y el mensaje de "volver al corazón", capturando la esencia de un regreso a lo genuino y emocional.
Charlie's Garden (audio)
En Charlie's Garden, mi favorita del álbum, se perciben claramente las influencias de The Beatles y Wings, especialmente la esencia mágica de Paul McCartney. La canción se destaca por su estructura compleja y sus cambios de ritmo, donde cada instrumento tiene un rol distintivo que, en conjunto, crea una mezcla espectacular. Combina arreglos orquestales con grabaciones telefónicas que le dan un toque peculiar y teatral. La grabación telefónica que se escucha fue realizada por Charlie Heaton, quien también es conocido por su papel como Jonathan en Stranger Things.
Golden Line es una balada emotiva que mezcla cuerdas y piano para crear melancolía, alcanzando su punto culminante con una orquesta que intensifica la carga emocional. En Back On You, el coro angelical y el bajo retro reflejan lealtad y amistad, mientras que las guitarras eléctricas marcan un clímax energético.
El álbum cierra con Crux y con una tonalidad de piano majestuosa y el mensaje de "volver al corazón", capturando la esencia de un regreso a lo genuino y emocional.
Charlie's Garden (audio)
En Charlie's Garden, mi favorita del álbum, se perciben claramente las influencias de The Beatles y Wings, especialmente la esencia mágica de Paul McCartney. La canción se destaca por su estructura compleja y sus cambios de ritmo, donde cada instrumento tiene un rol distintivo que, en conjunto, crea una mezcla espectacular. Combina arreglos orquestales con grabaciones telefónicas que le dan un toque peculiar y teatral. La grabación telefónica que se escucha fue realizada por Charlie Heaton, quien también es conocido por su papel como Jonathan en Stranger Things.
Golden Line es una balada emotiva que mezcla cuerdas y piano para crear melancolía, alcanzando su punto culminante con una orquesta que intensifica la carga emocional. En Back On You, el coro angelical y el bajo retro reflejan lealtad y amistad, mientras que las guitarras eléctricas marcan un clímax energético.
El álbum cierra con Crux y con una tonalidad de piano majestuosa y el mensaje de "volver al corazón", capturando la esencia de un regreso a lo genuino y emocional.
The Crux es un disco que definitivamente no sigue "las reglas". Es un caos, pero un caos bueno, lleno de momentos que no encajan del todo pero que, de alguna manera, terminan funcionando. Djo no sigue una estructura rígida. Las canciones se enfocan más en capturar una sensación auténtica y natural, con sonidos directos y arreglos que suenan más a un momento espontáneo que a una grabación pulida.
Djo se mueve entre el power-pop, la psicodelia, el indie-pop y una nostalgia que atraviesa todo el álbum. Hay guitarras con groove, bases electrónicas, climas introspectivos y guiños a grandes artistas. Todo eso se une en un recorrido que funciona como diario personal, donde cada tema refleja un estado emocional distinto.
The Crux es un disco que definitivamente no sigue "las reglas". Es un caos, pero un caos bueno, lleno de momentos que no encajan del todo pero que, de alguna manera, terminan funcionando. Djo no sigue una estructura rígida. Las canciones se enfocan más en capturar una sensación auténtica y natural, con sonidos directos y arreglos que suenan más a un momento espontáneo que a una grabación pulida.
Djo se mueve entre el power-pop, la psicodelia, el indie-pop y una nostalgia que atraviesa todo el álbum. Hay guitarras con groove, bases electrónicas, climas introspectivos y guiños a grandes artistas. Todo eso se une en un recorrido que funciona como diario personal, donde cada tema refleja un estado emocional distinto.
The Crux es un disco que definitivamente no sigue "las reglas". Es un caos, pero un caos bueno, lleno de momentos que no encajan del todo pero que, de alguna manera, terminan funcionando. Djo no sigue una estructura rígida. Las canciones se enfocan más en capturar una sensación auténtica y natural, con sonidos directos y arreglos que suenan más a un momento espontáneo que a una grabación pulida.
Djo se mueve entre el power-pop, la psicodelia, el indie-pop y una nostalgia que atraviesa todo el álbum. Hay guitarras con groove, bases electrónicas, climas introspectivos y guiños a grandes artistas. Todo eso se une en un recorrido que funciona como diario personal, donde cada tema refleja un estado emocional distinto.
La verdad, cuando vi que Djo había sacado un nuevo disco, no me generó mucha emoción. Sus proyectos anteriores no me habían movido demasiado, así que no tenía expectativas. Pensé que con este álbum iba a cerrar la etapa Djo y chau. Pero le di play… y me di cuenta de que estaba completamente equivocada.
Como conté al principio, este disco me recuerda a un montón de otros sonidos. Charlie’s Garden, por ejemplo, me pareció tan Paul McCartney que no lo podía creer. Hace mucho que no escuchaba una canción tan “McCartney”, incluso contando los discos que sacó el mismo Paul últimamente. Tiene esa esencia de los 60/70 que me encanta: el piano, la voz, el bajo… podría haber estado perfectamente en discos como Ram o London Town. También, en Gap Tooth Smile, hay algo en el estribillo que me llevó directo a The End, de The Beatles. Esa manera de cantar marcando el tempo, ese juego melódico… hay algo ahí.
También me encantó la producción del disco. Se siente crudo, real. Me gusta esa sensación de que no hay demasiados retoques, como si las canciones estuvieran grabadas así, sin filtro. La voz de Joe también aporta algo distinto. Para mí, este disco es una fusión del pasado con el presente, y eso lo hace especial. Es como un poco de aire fresco en medio de lo que se escucha actualmente. No tengo nada negativo que decir. Es sólido, está bien pensado y dura lo justo. Lo necesario.
Te comparto el enlace para que puedas escucharlo:
En Spotify
En Apple Music
Y si lo escuchaste, ¡contame qué te pareció!
Nos leemos.
C
La verdad, cuando vi que Djo había sacado un nuevo disco, no me generó mucha emoción. Sus proyectos anteriores no me habían movido demasiado, así que no tenía expectativas. Pensé que con este álbum iba a cerrar la etapa Djo y chau. Pero le di play… y me di cuenta de que estaba completamente equivocada.
Como conté al principio, este disco me recuerda a un montón de otros sonidos. Charlie’s Garden, por ejemplo, me pareció tan Paul McCartney que no lo podía creer. Hace mucho que no escuchaba una canción tan “McCartney”, incluso contando los discos que sacó el mismo Paul últimamente. Tiene esa esencia de los 60/70 que me encanta: el piano, la voz, el bajo… podría haber estado perfectamente en discos como Ram o London Town. También, en Gap Tooth Smile, hay algo en el estribillo que me llevó directo a The End, de The Beatles. Esa manera de cantar marcando el tempo, ese juego melódico… hay algo ahí.
También me encantó la producción del disco. Se siente crudo, real. Me gusta esa sensación de que no hay demasiados retoques, como si las canciones estuvieran grabadas así, sin filtro. La voz de Joe también aporta algo distinto. Para mí, este disco es una fusión del pasado con el presente, y eso lo hace especial. Es como un poco de aire fresco en medio de lo que se escucha actualmente. No tengo nada negativo que decir. Es sólido, está bien pensado y dura lo justo. Lo necesario.
Te comparto el enlace para que puedas escucharlo:
En Spotify
En Apple Music
Y si lo escuchaste, ¡contame qué te pareció!
Nos leemos.
C
La verdad, cuando vi que Djo había sacado un nuevo disco, no me generó mucha emoción. Sus proyectos anteriores no me habían movido demasiado, así que no tenía expectativas. Pensé que con este álbum iba a cerrar la etapa Djo y chau. Pero le di play… y me di cuenta de que estaba completamente equivocada.
Como conté al principio, este disco me recuerda a un montón de otros sonidos. Charlie’s Garden, por ejemplo, me pareció tan Paul McCartney que no lo podía creer. Hace mucho que no escuchaba una canción tan “McCartney”, incluso contando los discos que sacó el mismo Paul últimamente. Tiene esa esencia de los 60/70 que me encanta: el piano, la voz, el bajo… podría haber estado perfectamente en discos como Ram o London Town. También, en Gap Tooth Smile, hay algo en el estribillo que me llevó directo a The End, de The Beatles. Esa manera de cantar marcando el tempo, ese juego melódico… hay algo ahí.
También me encantó la producción del disco. Se siente crudo, real. Me gusta esa sensación de que no hay demasiados retoques, como si las canciones estuvieran grabadas así, sin filtro. La voz de Joe también aporta algo distinto. Para mí, este disco es una fusión del pasado con el presente, y eso lo hace especial. Es como un poco de aire fresco en medio de lo que se escucha actualmente. No tengo nada negativo que decir. Es sólido, está bien pensado y dura lo justo. Lo necesario.
Te comparto el enlace para que puedas escucharlo:
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Y si lo escuchaste, ¡contame qué te pareció!
Nos leemos.
C